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Lo mejor de El Greco

El Museo de Santa Cruz es la sede, junto a los llamados Espacios Greco, de la mayor exposición jamás realizada de la obra del pintor: la Sacristía de la Catedral de Toledo, la Capilla de San José, el convento de Santo Domingo el Antiguo, La Iglesia de Santo Tomé y el Hospital Tavera. Estos espacios conservan los lienzos originales, lo que ofrecerá a la exposición un carácter único e irrepetible fuera de Toledo.

Aunque parezca sorprendente, nunca se ha realizado una exposición sobre el Greco en Toledo. En 1902 se celebró la primera muestra sobre el artista en el Museo del Prado y, desde entonces, la figura del pintor se ha dado a conocer a través de exposiciones en el mundo entero, pero nunca en Toledo, su ciudad.

Obras

Esta exposición parte de la actividad del Greco antes de llegar a España, de Candía y Venecia a Roma, con la mirada puesta en su primera formación como maestro pintor en Creta y su paulatina apropiación de los modos occidentales italianos, a la sombra de Tiziano, Tintoretto, Giorgio Giulio Clovio, Miguel Ángel y otros artistas italianos de lienzos o estampas.

EL GRECO LOGOPRESS (12)Pondrá un importante énfasis en su labor como retratista, la única con la que obtuvo fama y el reconocimiento de sus clientes contemporáneos, incluso a pesar de su contraste con el tipo de retrato vigente en la España de Felipe II.

Se presentará al Greco como pintor de imágenes devocionales en España, vinculándose esta actividad con sus estrategias comerciales y su tendencia a la réplica seriada de sus composiciones, así como a la difusión final de las mismas a través de la estampa, medio que le permitía ampliar su oferta y diversificar sus clientes.

Además, en España desarrolló sus capacidades escenográficas evolucionando como artista, de pintor a inventor y pintor de retablos complejos y pluridisciplinares en los que diseñaba su arquitectura y sus esculturas, lo cual le exigió un nuevo aprendizaje, transformándolo en un artista plural.

Espacios Greco

Sacristía de la Catedral: Una auténtica pinacoteca presidida por El Expolio de Cristo

EL GRECO LOGOPRESS (117) A finales del siglo XVI se construye, por Vergara el Mozo, la Sacristía. En su bóveda, un grandioso fresco de Lucas Jordán, que representa la Descensión de la Virgen en la imposición de la casulla a San Ildefonso, y en la cual podemos contemplar el autorretrato del autor en la última ventana del lado izquierdo.

Al fondo, destaca el cuadro llamado El Expolio de Cristo, que pintó en ese mismo lugar en 1587 por encargo del Cabildo, está enmarcado en un retablo de mármol y bronce realizado en 1798, que sustituyó al realizado por el mismo Greco y del que se conserva solamente un grupo escultórico con la Imposición de la casulla.

El Greco y otros maestros

Toda la sala es una auténtica pinacoteca con cuadros de los más importantes pintores, como son: El Greco, Caravaggio, Tiziano, Van Dick, Orrente, Tristán, Goya, Morales y José Ramos.

EL GRECO LOGOPRESS (37)En uno de los laterales, se halla el sepulcro de alabastro romano del Cardenal D. Luis de Borbón, obra de Salvatierra en 1824. Junto a la Sacristía se encuentra la llamada sacristía arzobispal, con obras de pintores como Rivera, Bassano o Bellini entre otros, y más adelante, dos salas completan estas dependencias con vestiduras litúrgicas realizadas en Toledo entre los siglos XV y XVII.

Iglesia de Santo Tomé: El entierro del Conde de Orgaz

Aunque data del siglo XII, la iglesia fue reedificada y ampliada a principios del s. XIV por el gran benefactor de la parroquia, Gonzalo Ruiz de Toledo, Señor de Orgaz.

En el interior, en una capilla con acceso directo desde la calle, se conserva el lienzo conocido como Entierro del Conde de Orgaz, obra maestra del Greco. El cuadro fue encargado al artista por el párroco de la iglesia, Andrés Nuñez de Madrid, en 1586, para la capilla funeraria del noble mecenas de la institución.

La obra relata, dos siglos y medio más tarde, la escena del milagro ocurrido en las exequias del noble castellano, en dos planos bien diferenciados. El primero es el de los acontecimientos terrenales, con una soberbia galería de retratos y en el plano superior “el cielo abierto en gloria” con los seres celestiales.

EL GRECO LOGOPRESS (25)En el primero dominan los detalles y el cuidado puesto en captar la psicología de los personajes retratados. En el segundo un incipiente expresionismo anuncia las fórmulas más tardías del pintor.

Capilla de San José: El retablo más innovador del Greco

El rico comerciante toledano Martín Ramírez cedió unas casas a Santa Teresa con el fin de fundar en Toledo el quinto convento del Carmelo descalzo. Su muerte interrumpió este propósito y sus herederos decidieron construir en dicho lugar una capilla bajo la advocación de San José, con trazas de Nicolás de Vergara y consagrada en 1594. Concebida como oratorio privado con función funeraria, acoge a ambos lados del altar mayor los sepulcros de los fundadores.

Los retablos y pinturas de su interior fueron encargados al Greco en 1597. En el retablo central, considerado como el más innovador de los realizados por el Greco, se muestran los dos únicos lienzos originales del pintor que hoy se conservan en ella, San José con el Niño y, en el ático, una Coronación de la Virgen.

EL GRECO LOGOPRESS (39) Los cuadros de los retablos laterales, San Martín y el mendigo y la Virgen con el Niño, Santa Inés y Santa Martina, fueron adquiridos a comienzos del siglo XX por la National Gallery de Washington. Ambas obras han llegado de Estados Unidos para formar parte de la Exposición El Griego de Toledo, y se exponen en el Museo de Santa Cruz.

La capilla de San José, de propiedad privada, pertenece desde su origen a la misma familia, hoy los Marqueses de Eslava, y mantiene intacto su ambiente original tal como El Greco la decoró en su momento.

Convento de Santo Domingo el Antiguo: Las primeras obras del Greco en Toledo

El Convento se fundó en el s. XII y es uno de los más antiguos de Toledo, lo que da origen a su nombre. De sus diversas transformaciones en el tiempo, el Greco participó en la renovación de sus retablos cuando Diego de Castilla, deán de la Catedral, le encargó en 1577 los del altar mayor y laterales de la iglesia. Fue el primer encargo de su etapa toledana, donde el artista manejó el lenguaje plástico aprendido en Italia con una expresión personal que fue creciendo al compás de su estancia en la ciudad.

EL GRECO LOGOPRESS (35)El Greco diseñó los tres retablos, siendo el central posteriormente modificado por Monegro, y pintó para ellos nueve lienzos, siete en el retablo mayor y dos en los altares laterales. En la actualidad se conservan en su ubicación original los lienzos de San Juan Evangelista y San Juan Bautista en el retablo mayor y La Resurrección de Cristo en el altar lateral derecho.

Los demás lienzos, hoy sustituidos por copias, se conservan en las siguientes instituciones: el lienzo central La Asunción de la Virgen en el Art Institute de Chicago, San Benito y La Trinidad en el Museo del Prado, La Adoración de los Pastores en la colección Banco Santander, una Santa Faz de la colección Juan March y el San Bernardo se encuentra en el Museo del Hermitage.

A su muerte, el Greco fue enterrado en una cripta del convento pero más tarde su hijo retiró los restos.

Hospital Tavera: El Bautismo de Cristo, la obra inacabada del Greco

EL GRECO LOGOPRESS (113)Fundado extramuros de Toledo, en torno al sepulcro de su fundador el Cardenal Tavera, obra excepcional de Berruguete, el también llamado Hospital de Afuera fue construido entre 1541 y 1603, con trazas de Alonso Covarrubias y más tarde de Bartolomé Bustamente.

El edificio es propiedad de la Casa de Medinaceli y en su interior se encuentra el Museo Fundación Duques de Lerma con parte de las colecciones artísticas de dicho linaje.

En su iglesia se conserva el retablo dedicado al Bautismo de Cristo, único recuerdo del último proyecto emprendido por el Greco, contratado en 1608 por el administrador del Hospital, Pedro Salazar de Mendoza, para hacer el retablo mayor y los colaterales de la capilla, dedicada a San Juan Bautista. El proyecto no llegó a terminarse por la muerte del pintor.

En el museo se conservan otras obras destacadas del Greco como La Sagrada Familia con Santa Ana, Retrato del Cardenal Tavera, San Francisco en oración, una versión de Las Lágrimas de San Pedro y una talla de Cristo resucitado.

Obras de toda su carrera

Esta exposición parte de la actividad del Greco antes de llegar a España, de Candía y Venecia a Roma, con la mirada puesta en su primera formación como maestro pintor en Creta y su paulatina apropiación de los modos occidentales italianos, a la sombra de Tiziano, Tintoretto, Giorgio Giulio Clovio, Miguel Ángel y otros artistas italianos de lienzos o estampas.

EL GRECO LOGOPRESS (12)Pondrá un importante énfasis en su labor como retratista, la única con la que obtuvo fama y el reconocimiento de sus clientes contemporáneos, incluso a pesar de su contraste con el tipo de retrato vigente en la España de Felipe II.

Se presentará al Greco como pintor de imágenes devocionales en España, vinculándose esta actividad con sus estrategias comerciales y su tendencia a la réplica seriada de sus composiciones, así como a la difusión final de las mismas a través de la estampa, medio que le permitía ampliar su oferta y diversificar sus clientes.

Además, en España desarrolló sus capacidades escenográficas evolucionando como artista, de pintor a inventor y pintor de retablos complejos y pluridisciplinares en los que diseñaba su arquitectura y sus esculturas, lo cual le exigió un nuevo aprendizaje, transformándolo en un artista plural..

https://i2.wp.com/upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/El_Greco_-_The_Burial_of_the_Count_of_Orgazdetal1.jpg/550px-El_Greco_-_The_Burial_of_the_Count_of_Orgazdetal1.jpg

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El Museo de Bellas Artes de Bilbao y sus grecos

Greco Bilbao

El Museo de Bellas Artes de Bilbao se suma a las conmemoraciones del cuarto centenario de la muerte de El Greco con las jornadas El Greco. Materia y alma, que incluyen cuatro conferencias y la proyección del documental El Greco. Pintor de lo invisible, recientemente estrenado en el Museo del Prado, y la presentación especial Los grecos del Museo de Bellas Artes de Bilbao (30 abril–25 agosto), que mostrará al público aspectos ocultos de las dos obras del pintor pertenecientes a nuestra colección, San Francisco en oración ante el Crucificado (c. 1585) y La Anunciación (c. 1596-1600).

La efeméride es una buena ocasión para que los museos que disponemos de obras relevantes del pintor en nuestras colecciones pongamos al día los conocimientos sobre ellas. Se da, además, la circunstancia de que el Museo de Bellas Artes de Bilbao (fundado en 1908) abrió sus puertas en 1914 en la Escuela de Artes y Oficios de Atxuri con una exposición dedicada a El Greco, por lo que no podíamos dejar pasar esta ocasión para recordarlo.

Las jornadas ofrecerán un completo panorama sobre la obra de El Greco a través de las cuatro  conferencias que impartirán Leticia Ruiz, jefe de Pintura Española del Renacimiento. Museo Nacional del Prado; Ana Sánchez-Lassa, conservadora de la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao hasta 2012; Miriam Alzuri, Departamento de Exposiciones, y José Luis Merino, jefe del Departamento de Conservación y Restauración, ambos del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Por su parte, el documental, realizado con el guión científico de Xabier Bray, conservador jefe de la Dulwich Picture Gallery (Londres), mostrará las inquietudes artísticas en los escenarios vitales del pintor.

GRECO, EL (THEOTOKÓPOULOS, Doménikos)
Candia (Creta), 1541-Toledo, 07/04/1614
San Francisco en oración ante el Crucificado
c. 1585
Óleo / Lienzo. 105,5 x 86,5 cm

“Miró: La experiencia de mirar” organizada por el Museo Reina Sofía en Seattle

La exposición Miró: La experiencia de mirar que desde el pasado 13 de febrero se puede visitar en el Seattle Art Museum de la ciudad norteamericana, ha recibido casi treinta mil visitantes en poco más de un mes desde su apertura.

La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía, está compuesta por medio centenar de pinturas y esculturas de los fondos del Museo que exploran la última etapa de Joan Miró. Se trata de una colección de obras realizadas entre 1963 y 1983 que dan testimonio de la creatividad de este artista universal, que ya había experimentado con la escultura en periodos anteriores.

Es precisamente al final de su vida cuando la pintura y la escultura inician un diálogo directo entre sí, tema principal de esta exposición sobre la que su comisaria Carmen Fernández, señala lo siguiente: “A partir de los años sesenta, la escritura definitiva de su obra, que presenta esta exposición, como una sintaxis conjugada en dos y en tres dimensiones, reflejaría un mundo en el que, en las palabras del pintor, ‘todo se vuelve insólito, inestable, nítido y embrollado al mismo tiempo’, y donde: ‘Las formas se engendran al transformarse. Se intercambian y crean así la realidad de un universo de signos y de símbolos en que las figuras pasan de un reino a otro, tocan con un pie las raíces. Son raíces y van a perderse en la cabellera de las constelaciones’».

El Museo Carmen Thyssen Málaga amplía su colección permanente con 18 nuevas piezas

El Museo Carmen Thyssen Málaga da a conocer las nuevas piezas que se incorporan a la Colección del Museo Carmen Thyssen Málaga expuesta en el Palacio de Villalón. Un total de 18 obras de artistas como Manuel Cabral Bejarano, Vicente Palmaroli o Gonzalo Bilbao, que se exhibirán en el Espacio ArteSonado y la Sala Noble del Museo hasta el próximo 8 de junio.

La ampliación culmina con la presentación del Catálogo de Colección, proyecto editorial fruto de un intenso trabajo de investigación, documentación y diseño que profundiza en el conjunto de las obras.

La incorporación de nuevas obras a la Colección del Museo pone de manifiesto el apoyo constante de la baronesa Carmen Thyssen y su apuesta firme por el crecimiento de la pinacoteca. Asimismo, es un ejemplo de la integración de la pinacoteca en la sociedad y su esfuerzo por ofrecer a Málaga un Museo consolidado y con proyectos de futuro.

Las obras se ubican en dos espacios como es el Espacio ArteSonado, donde se exponen 9 obras de carácter costumbrista, y la Sala Noble del Palacio de Villalón, ambas situadas en la primera planta. Entre las piezas que se incorporan destacan Majo sevillano y Maja sevillana, c. 1850, de Manuel Cabral Aguado Bejarano; Valencianos, c.1908, de Julio Vila y Prades; Rosaleda, s.f., de Gonzalo Bilbao Martínez; El chico de la gallina, 1913, de Manuel Benedito Vives o Vendedor de flores, c. 1864, de José Roldán.

La Colección crece: Nuevas adquisiciones

Coleccion_crece (1)La vida de las figuras populares durante el siglo XIX está representada fundamentalmente por dos escuelas pictóricas. Por un lado la pintura costumbrista madrileña, que muestra una gran variedad de temas junto a tipos y costumbres castizas, y que aportó una gama cromática oscura a las escenas, lo cual evidencia un ánimo crítico. Por otro, el estilo sevillano, que incidió en un pintoresquismo amable y folclórico en el que parece que predominó la visión extranjera, debido a la afluencia de viajeros a esta región del sur.

Del primero es claro exponente Eugenio Lucas Velázquez, quien se inspiró frecuentemente en Goya a lo largo de su prolífica vida creativa, y cuyo hijo, Eugenio Lucas Villaamil, fue su más fiel seguidor. El costumbrismo sevillano tiene a uno de sus mejores pintores en Manuel Cabral Aguado Bejarano, representante del eclecticismo que envolvió a muchas figuras del siglo XIX y que muestra en sus obras los estereotipos del romanticismo andaluz junto a otras imágenes cercanas a un cierto realismo en las que deja constancia de su capacidad para la observación precisa. Junto a este autor, otros nombres importantes, como Rafael Benjumea, pintor poco conocido en la actualidad pero que obtuvo numerosos reconocimientos en vida, o José Roldán, influenciado frecuentemente por Murillo, cuya pintura muestra figuras que ocupan gran parte del lienzo en un ambiente dominado por la arquitectura popular.

Se incorpora por vez primera a la Colección el pintor Prudencio Herreros Amat. Nacido en Murcia, éste desarrolló en Valencia gran parte de su vida artística. En su obra están presentes los tipos populares y el paisaje de la huerta valenciana.

Este conjunto de obras contribuye a enriquecer el relato del costumbrismo romántico, siendo una de las líneas temáticas que tan singularmente narra la Colección del Museo Carmen Thyssen.

Las obras, que se expondrán en la Sala Noble hasta el próximo 8 de junio, se incorporan a los fondos del Museo y consolidan la trayectoria de la pinacoteca

Barcelona acoge la primera gran exposición de autorretratos de Picasso

La muestra abarca 77 años de la trayectoria del pintor de la mano de 90 obrasBarcelona . – El Museu Picasso de Barcelona acoge desde este jueves y hasta el 1 de septiembre la primera gran exposición sobre uno de los temas destacados en la producción de Pablo Picasso, los autorretratos, abarcando 77 años de su trayectoria de la mano de 90 obras.

En rueda de prensa, los comisarios de la muestra, Eduard Vallès e Isabel Cendoya, han explicado que, superando a otra exposición parcial que se hizo en el MoMA, esta muestra repasa la trayectoria autorretratista y autorepresentativa de Picasso entre 1895 y 1972 con obras que forman parte del fondo propio del museo y con otras cedidas por la familia.

Aunque el retrato solamente sería un género destacado durante su juventud, y -en menor medida- durante su vejez, esta exposición permite apreciar el desarrollo artístico de Picasso a través de su autopercepción pasando por las fases canónicas “académica, azul, primitivista, cubista, neoclasicista y surrealista”.

La exposición camina entre los 13 y los 91 años de Picasso, en donde la idea de autorretrato transita hacia la autorepresentación, llegando a un final en el que vuelve al autorretrato a través del grabado recreando un mundo circense, grotesco y femenino.

Van Gogh / Artaud – LE SUICIDE DE LA SOCIETE

Exposición accesible con el PARIS MUSEUM PASS sin suplemento, del 11 de marzo al 6 de julio de 2014.

En 1947, el galerista Pierre Loeb sugiere a Antonin Artaud que escriba un texto sobre el pintor, pensando que un escritor que había estado ingresado durante nueve años en un hospital psiquiátrico, era el más indicado para entender un
artista considerado como loco.

Indignado por la opinión de la sociedad moderna del estado de salud mental de Van Gogh, Artaud empieza su redacción.

La exposición Van Gogh/Artaud, El suicidado de la sociedad centrada en el análisis de la obra de Van Gogh por Antonin Artaud, incluye cerca de cuarenta cuadros, una selección de dibujos y de cartas de Van Gogh, así como dibujos de Artaud y fotografías que lo representan en la época de la redacción de Van Gogh Le suicidé de la société [Van Gogh El suicidado de la sociedad].

Homero, Agamenón, Afrodita, Hermes y Apolo reviven la Iliada en el Museo de escultura de Valladolid

Desde su inauguración en febrero de 2012, el objetivo de revalorizar la colección de esculturas clásicas  procedente del antiguo Museo Nacional de Reproducciones Artísticas (Madrid) ha sido una constante en la programación del Museo Nacional de Escultura.

Sin embargo, la necesidad de respetar un periodo de adaptación y convivencia entre las dos colecciones, la de escultura policromada y la de réplicas clásicas, que suman 6.000 piezas, ha significado que la puesta en valor la segunda se haya producido de manera intencionadamente escalonada.

Los primeros peldaños de la ascensión han consolidado el terreno documental, con el estudio y la elaboración de un catálogo de la colección (que se publicará próximamente), y la han dado a conocer a la ciudad a través de visitas guiadas gratuitas, talleres y grandes eventos en torno al tema de la copia el año de su inauguración: el II Encuentro Internacional de Museos y Colecciones de Escultura (cuyas actas acaban de publicarse) dedicado a la «copia e invención» en la escultura europea, la segunda edición del Curso El Arte de Mirar, en colaboración con la Universidad de Valladolid, y la música, el cine y las conferencias del Verano Griego.

Primera exposición en España de Hanne Darboven, en el Museo Reina Sofía presenta

El Museo Reina Sofía presentará el próximo martes 25 de marzo El tiempo y las cosas. La casa estudio de Hanne Darboven, una exposición que invita a conocer el peculiar escenario de trabajo de esta creadora alemana que hizo del tiempo el motivo principal de su obra y cuya técnica artística se centró en el dibujo geométrico, las series numéricas, la imagen y, especialmente, en la escritura.

La casa-estudio de Hanne Darboven (Munich, 1941 – Hamburgo, 2009), ubicada en Hamburgo y recreada en parte ahora en Madrid, está repleta de obras propias y regalos de amigos artistas, pero sobre todo de objetos de uso cotidiano, artesanía y souvenirs de todos los rincones del mundo. Recuerda más bien un gabinete de curiosidades que un estudio al uso y nos traslada la idea del artista como coleccionista de objetos e ideas, un fenómeno propio del fin de la modernidad.

Exposiciones actuales

La nueva muestra del Museo Reina Sofía permite profundizar en la relación entre la artista y un espacio privado de trabajo lleno de significados, lo que ofrece sin duda una visión más amplia y completa de su obra y un nuevo modo de acercar al público al arte mediante alternativas a la museología tradicional.

El comisario de la exposición es el subdirector artístico del Museo, João Fernandes y en la presentación ta,bién intervendrán el director deñ Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, y el director de la Fundación Hanne Darboven, Jörg Plickat.

La exposición El tiempo y las cosas. La casa estudio de Hanne Darboven recrea el singular espacio de trabajo de la artista alemana y permite no sólo conocer su obra, sino también ahondar en su cosmos creativo

La exposición ha sido organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Deichtorhallen Hamburg – Sammlung Falckenberg en colaboración con la Fundación Hanne Darboven y el Goethe Institut.

<miradas cruzadas> 8: Nocturnos

Del 24 de marzo al 25 de mayo de 2014

<miradas cruzadas> 8: Nocturnos
  • Georgia O’Keeffe
  • Calle de Nueva York con luna
  • 1925
  • Óleo sobre lienzo.
  • 122 x 77 cm
  • Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza

La octava entrega de la serie <miradas cruzadas> se asoma a la historia del paisaje nocturno con una selección de diez obras de las colecciones Permanente y Carmen Thyssen-Bornemisza. Escenas de noche cerrada, pero también de las horas fronterizas del crepúsculo y el alba, de Van de Neer, Vernet, Friedrich, Grimshaw, Cole, Bierstadt, Nolde, Puigaudeau, O’Keeffe y Delvaux, se exponen ahora juntas en el balcón mirador de la primera planta, con acceso directo y gratuito desde el hall central.

La noche ha planteado siempre un desafío a los pintores, que han cuestionado las posibilidades de la oscuridad para convertirse en un tema visual convincente. Asociada antiguamente a imágenes negativas, como la muerte y el peligro, su representación ha evolucionado en la historia de la pintura en un intento por atenuar esos terrores, embelleciendo la oscuridad con una luz tranquilizadora. Desde Aert van der Neer, el gran especialista en lunas de la pintura holandesa del siglo XVII, a la noche moderna de Georgia O’Keeffe, la muestra presenta diez escenas nocturnas en las que puede apreciarse cómo los artistas van descubriendo que la noche tiene sus propios colores diferentes de los del día.

LA MIRADA LUMINOSA DE TRACEY ROSE

El Museo Reina Sofia organiza por primera vez en España, una muestra de la artista sudafricana Tracey Rose. La muestra que se podrá visitar del 29 de enero hasta el 26 de mayo, recoge uno de sus proyecto inédito titulado (x).La artista nacía en Durban, nos presenta una video-instalación junto a un espacio de energía, generado a partir de  dos piezas fundamentadas en elementos lumínicos, acústicos y cromáticos, donde los aspectos simbólicos de las formas y de los distintos componentes producen dichas energías hasta envolver al espectador. La obra de Tracey Rose siempre se ve influenciada por su concepción de las fuerzas telúricas y la asignación de cualidades mágicas a ciertos materiales. Para la video-instalación, Tracey Rose ha grabado una pieza audiovisual en el marco de una performance, donde el Museo es uno de los principales escenarios donde se llevó a cabo, así como distintos lugares de la ciudad de Madrid. La obra ocupa dos ámbitos del Museo: Sala de bóvedas y Espacio Uno, aún cuando la intervención propuesta en cada uno de ellos se concibe como complemento explicativo y conceptual del otro elemento que conforma la obra

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Museo Reina Sofía

Tracey Rose, utiliza indistintamente para su trabajo el vídeo y la performance, abordando su cuerpo como la representación y medio de obra, ya sea desnuda o disfrazada, haciendo visible de manera metafórica, irónica o explícita una experiencia humana de máxima intensidad, sea de orden sexual, religioso o político. En este caso, su cuerpo parece haber sido objeto de laceraciones, físicas o psíquicas, que sucumbe en un estado ambiguo de angustia y éxtasis. La regeneración y catarsis de cuerpo y mente, liberado de constricciones culturales o ideológicas, y su capacidad para obrar al margen de toda regla o exenta de prejuicios, constituye su principal vía de aproximación y actuación dentro del discurso acerca de la identidad personal y artística.

Qué exposiciones más destacadas puedes ver en Madrid en 2014.

La Montaña Saint Victorie en la exposición de Cézanne en museo Thyssen

En el calendario de exposiciones de Madrid el mes de febrero se caracteriza por la inauguración de nuevas exposiciones, una vez finalizadas algunas de las que protagonizaron las festividades navideñas, si bien hay otras que permanecen incluso hasta el mes de mayo.

Hay dos grandes novedades este mes. Por un lado, la exposición de Cézanne que tienes en el museo Thyssen-Bornemisza desde el 4 de febrero.

Se trata de la primera exposición dedicada al considerado como padre del arte moderno que se celebra en España. Los paisajes y las naturalezas muertas son las obras que predominan en la misma.  Esta exposición la puedes visitar hasta el 18 de mayo.

Y por otro lado, la exposición de Picasso que puedes visitar en la Fundación Mapfre desde el 12 de febrero, en la que se reúnen 180 obras de grandes museos y colecciones privadas relacionadas con el trabajo del artista malagueño en el taller. La puedes visitar hasta el 11 de mayo.

Exposición Picasso en el Taller en Fundación Maphre en Madrid

Además, en este museo, y desde el 18 de febrero, tienes la exposición de Dario de Regoyos, pintor español cuya obra puedes descubrir en esta muestra que se lleva a cabo con motivo del centenario de su fallecimiento. Gracias a su amistad con distintos artistas europeos, en sus pinturas aplicó diversas técnicas, como la puntillista, pero su etapa principal fue la impresionista.

Tendrás tiempo para visitarla hasta el 1 de junio.

Asimismo, desde el 13 de febrero tienes la exposición de Degas en la Fundación Canal, en la cual a través de más de cien grabados y dibujos tienes una visión muy íntima y personal de este gran artistas del impresionismo. La puedes ver hasta el 4 de mayo.

Exposición Picasso en el Taller, en Fundación Mapfre del 12 de febrero al 11 de mayo

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Exposición Picasso en el Taller en Fundación Mapfre en Madrid

Picasso regresa a Madrid en una nueva muestra que ofrece la oportunidad de volver a revisar la obra del pintor malagueño.

La exposición Picasso en el Taller de la Fundación Mapfre la puedes visitar entre las fechas del 12 de febrero y el 11 de mayo, y en la misma se presentan 180 obras, la mayoría de ellas pinturas, relacionadas con los distintos estudios en los que trabajó y pintó.

En concreto, en esta nueva exposición de Picasso en Madrid puedes ver 80 lienzos, 60 dibujos y grabados, 20 fotografías, así como una decena de las paletas que utilizó el pintor.

Exposición Picasso en el Taller en Fundación Mapfre en Madrid

Buena parte de las obras mostradas proceden de colecciones particulares, lo que hace que haya obras que se han visto en público muy pocas veces. Entre ellas se incluyen obras de las colecciones del hijo del pintor, Claude Picasso, de su hija, Paloma Picasso, y de su nieta, Marina Picasso.

 

Sorolla el color del mar 13 de febrero hasta el

4 de mayo

Sorolla, el color del mar, que exhibe San Martín Centro de Cultura Contemporánea, de Las Palmas de Gran Canaria. Esta muestra, inaugurada el 13 de febrero, permanecerá expuesta hasta el día 4 de mayo en las salas de arte de este espacio cultural, dependiente del Área de Cultura, Patrimonio Histórico y Museos del Cabildo de Gran Canaria, que coordina Larry Álvarez.

La exposición reúne más de sesenta obras del célebre pintor valenciano, vinculadas al que fue el tema favorito y más popular de su pintura: el mar. Es una muestra organizada con motivo del 150º aniversario del nacimiento de Sorolla (1863-1923), que ha sido producida por el Ministerio de Educación Cultura y Deportes, a través de la Fundación Museo Sorolla, con la colaboración de la Obra Social La Caixa, la Fundación CajaCanarias y el Cabildo de Gran Canaria.

Sorolla, el color del mar es una exposición itinerante que ya se ha exhibido en Madrid y en Santa Cruz de Tenerife y ahora se puede visitar en la capital grancanaria. A partir de mayo, la muestra regresará a la Península, donde se exhibirá en las ciudades de Barcelona, Palma de Mallorca y Zaragoza.

DOMINGOS DE ‘TALLERES CON SOROLLA’

Cabe destacar que San Martín Centro de Cultura Contemporánea ha organizado talleres de arte, gratuitos, con el objetivo de facilitar al público infantil la comprensión y el disfrute de las obras del genial pintor español. Dirigidos a menores, de entre seis y 12 años, los ‘Talleres con Sorolla’ se celebran todos los domingos de este mes de marzo y los días 13 y 27 de abril, entre las 12.00 y las 13.00 horas.

Las actividades educativas comienzan con una visita guiada por las salas de arte, tomando como punto de partida determinadas obras de la exposición y entablando un diálogo abierto que se plantea para que niños y niñas indaguen y descubran la técnica empleadas por el artista a la hora de concebir su obra. A continuación, ya motivados para desarrollar su producción, se procede a la realización del taller y se invita a los menores a que den rienda suelta a la imaginación y la creatividad y se expresen a través del dibujo o la pintura.

De este modo, se propone a las familias la oportunidad de introducir a los pequeños en el ámbito de los museos y de la creación artística y, al mismo tiempo, ofrece a los adultos la opción de disfrutar de jornadas dominicales con visita a la exposición, mientras los menores participan en estos talleres.

Más información:

Departamento de Comunicación

Tf: 928 311 800 ext 213-216 / 630 618 947

E-mail: comunicacion@caam.net

SAN MARTÍN CENTRO DE CULTURA CONTEMPORÁNEA

HORARIO

Martes a sábado de 10.00 a 21.00h.
Domingo de 10.00 a 14.00h.
Cerrado lunes y festivos

DIRECCIÓN

Calle Ramón y Cajal, 1. Vegueta.

Las Palmas de Gran Canaria. España

Exposición de Cézanne en museo Thyssen-Bornemisza, del 4 de febrero al 18 de mayo

Casa en Provenza en la exposición de Cézanne en museo Thyssen-Bornemisza

Exposición de Degas en Fundación Canal de Madrid

Hasta el 4 de mayo tienes la oportunidad de ver una exposición de Degas, uno de los más famosos impresionistas, donde se muestra una faceta bien diferente a la más conocida de este prestigioso artista.

La exposición Edgar Degas, Impresionistas en privado, la puedes visitar en la Fundación Canal, en Madrid, y en ella verás más de 100 obras de Degas y otros artistas de su entorno.

Esta colección de obras muestra el Degas más íntimo y personal, donde presenta a su familia, amigos y colegas a través de dibujos, grabados y fotografías, además de tres autorretratos poco conocidos.

Retrato de Cezanne en la exposición de Degas en Fundación Canal

Palacio de Cibeles en Madrid

La serie de exposiciones sobre la importancia del mecenazgo y las colecciones privadas para la conservación del arte, que el pasado año inició el centro de exposiciones CentroCentro del Palacio de Cibeles, tiene ahora continuidad con la nueva exposición Colección Masaveu, del Románico a la Ilustración.

La serie Mecenazgo al servicio del Arte se inició con la exposición El Legado de la Casa de Alba, que pudiste visitar durante las navidades del pasado año y hasta mayo de este año 2013.

Ahora desde el 29 de noviembre, y hasta el 25 de mayo de 2014, el protagonismo lo adquiere esta nueva exposición dedicada a la colección privada de la saga familiar de Pedro Masaveu Rovira, un catalán afincado en Oviedo, quien durante la segunda mitad del siglo XIX fundara la Banca Masaveu y un conglomerado industrial a partir de la primera fábrica de cemento que se creó en España.

Exposición de fotografía Madrid 1910-1935 en Conde Duque, hasta el 20 de abril

Exposición de fotografía Madrid 1910-1935 en Conde Duque

Gracias a la exposición que hasta el 20 de abril puedes ver en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid vas a poder hacer un viaje al pasado de la capital.

La exposición de fotografía Madrid 1910-1935 recupera 150 imágenes de la colección de la Hemeroteca Municipal y del Museo de Historia de Madrid, en su mayor parte inéditas, y procedentes del archivo del Servicio Fotográfico Municipal.

Un paseo por esta exposición de fotografía de Conde Duque te va a permitir descubrir como Madrid se iba abriendo a la modernidad, con fotos en blanco y negro, gran parte de ellas tomadas de negativos en placas de cristal.

Exposición de fotografía Madrid 1910-1935 en Conde Duque

En la exposición puedes ver fotos de la nueva Gran Vía, uno de los ejes centrales de Madrid, que se empezó a construir en abril de 1910.

Exposición del impresionista Dario Regoyos en museo Thyssen-Bornemisza, hasta el 1 de junio

La Concha de Dario Regoyos en la exposición del museo Thyssen-Bornemisza

En paralelo a la celebración de la exposición del impresionista Cézanne, en el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid ya puedes visitar hasta el 1 de junio otra muestra dedicada a otro pintor impresionista.

Se trata de la exposición de Dario Regoyos, artista español que está considerado como el mejor exponente de dicha tendencia artística que tan popular es entre los aficionados al arte.

Esta exposición retrospectiva de Regoyos reúne cien obras de sus más diversas temáticas, en las que se puede ver la evolución estética del pintor asturiano que nació en 1857 y del que recientemente se ha cumplido el centenario de su muerte.

Autorretrado de Dario Regoyos en la exposición del museo Thyssen-Bornemisza

La obra de Regoyos tiene, por un lado, la influencia de los pintores belgas y franceses de vanguardia de su época y, por otro lado, también refleja la tradición cultural de la denominada España Negra.

Las obras presentadas en la exposición proceden de distintas instituciones, entre las que destacan el museo de Bellas Artes de Bilbao, el museo Carmen Thyssen de Málaga, a donde viajará con posterioridad, el museo d´Orsay de París, el museo Reina Sofía de Madrid y el propio museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

El eje central de la exposición son sus pinturas impresionista, estilo al que Regoyos se mantuvo fiel a pesar de las críticas recibidas en su época.

Tras una primera sala en la que se presentan obras de sus inicios, son sus óleos de paisajes los que protagonizan la muestra, en la que también encontrarás una sala dedicada a la España Negra y otra a la experimentación divisionista.

Plaza de Segovia de Dario Regoyos en la exposición del museo Thyssen-Bornemisza

Los horarios de visita de la exposición de Dario Regoyos en el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid son, de martes a viernes y los domingos, de 10 a 19 horas; los sábados, de 10 a 21 horas.

Los precios de las entradas son, entrada general, 9 euros; entrada reducida, 6,50 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y familias numerosas; y entrada gratis a niños menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.

Aquí tienes más fotos de la exposición de Regoyos en el museo Thyssen-Bornemisza.

Tras su paso por París y Roma, en junio llega al Museo Thyssen-Bornemisza la muestra La pintura victoriana en la Colección Pérez-Simón, una invitación a descubrir la sensualidad esteticista de algunos de los pintores más emblemáticos de la pintura inglesa del siglo XIX. Sir Lawrence Alma-Tadema, Edward Coley Burne-Jones, Sir Frederic Leighton, Albert J. Moore o Dante Gabriel Rossetti cultivaron en sus obras valores que ofrecían un fuerte contraste con las actitudes moralizantes de la época: la vuelta a la Antigüedad clásica, el interés por el desnudo, las suntuosas decoraciones y las referencias a los temas medievales, que habían heredado de los prerrafaelitas. La muestra, comisariada por Véronique Gerard-Powell, profesora de la Université Sorbonne París, reúne una selección de obras -algunas de las cuales son auténticos iconos del arte británico como Las rosas de Heliogábalo, de Alma-Tadema; Muchachas griegas recogiendo guijarros en el mar de Leighton; El cuarteto de Albert Moore o Andrómeda de Poynter, entre otros- pertenecen a la colección privada Pérez-Simón una de la más importantes de pintura victoriana.

Impresionismo americano

Del 04 de noviembre de 2014 al 01 de febrero de 2015

Impresionismo americano

  • William Merritt Chase
  • El quimono
  • c. 1895
  • Óleo sobre lienzo.
  • 89,5 x 115 cm
  • Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 A raíz de la exposición de impresionismo francés organizada por el marchante Paul Durand-Ruel en Nueva York en 1886, los artistas americanos comenzaron a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los efectos fugaces propios del movimiento francés; muchos de ellos, decidieron incluso viajar a París para conocer el impresionismo de primera mano. Organizada por el Musée des Impressionnismes Giverny y la Terra Foundation for American Art, en colaboración con las National Galleries of Scotland y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, esta exposición será la primera ocasión de poder contemplar en España una muestra dedicada a la expansión del impresionismo en Norteamérica. Su comisaria, Katherine Bourguignon, conservadora de la Terra Foundation for American Art Europe, rastrea a través de unas sesenta pinturas el modo en que los artistas norteamericanos descubrieron el impresionismo entre las décadas de 1880 y 1890, así como la interpretación propia de este estilo que desarrollaron hacia 1900. Con el apoyo económico de la Terra Foundation for American Art, la exposición se presentará primero en el Musée des Impressionnismes Giverny, en la primavera de 2014, en las National Galleries of Scotland (Edimburgo) durante el verano y, a partir de noviembre, en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Las mejores exposiciones en Londres 2014

Éstas son algunas de las “exhibitions” o exposiciones más destacadas de este año 2014 en Londres:

Britain: 1 million years of the Human History. En la historia británica, pocas veces nos remontamos más allá de la época romana. El museo de Historia Natural se ha propuesto remediar eso e ir un poco más lejos, un millón de años, nada menos, explorando la prehistoria británica en una mezcla de arqueología y arte. Comenzó la semana pasada y se prolongará hasta el 28 de septiembre. La entrada de adulto cuesta 9 libras.

Museo de Historia Natural

Vikings: Life and Legend. La principal exposición del British Museum vuelve a poner de moda a los Vikingos. Espadas, hachas, monedas, joyas e incluso el mayor barco de guerra vikingo existente, o al menos un 20% de él. Eso sí, no esperéis ver ni un solo casco con cuernos. Se podrá ver desde el 6 de marzo hasta el 22 de junio. La entrada de adulto cuesta 16,50 libras.

Vikings British Museum

Bond in Motion. El London Film Museum de Covent Garden trae este año la exposición perfecta para los amantes del motor o cualquiera que haya crecido fascinado con los coches llenos de extraños dispositivos de las películas de 007. Contará con 50 vehículos utilizados en las películas de James Bond. Desde el Lotus Esprit que se convertía en submarino en La espía que me amó, hasta el mítico Aston Martin DB5. Aunque me temo que el que veremos es el de 1995 de Pierce Brosnan en Goldeneye y no el de 1966 de Sean Connery en Goldfinger. La exposición comienza el 21 de marzo y la entrada de adulto cuesta 14.50 libras.

Bond in Motion

The Glamour of Italian Fashion 1945-2014. Tras el exitazo de la exposición sobre David Bowie en 2013, el Victoria & Albert Museum volverá a ser uno de los museos más visitados este año, sobre todo por el público femenino. Las mejores colecciones de moda se reúnen bajo un mismo techo para mostrar la influencia de la moda italiana desde finales de la Segunda Guerra Mundial. Del 5 de abril al 27 de julio, con un precio de 13.50 libras para la entrada de adulto.

Italian fashion

Sherlock Holmes. El Museum of London nos traerá la historia del que probablemente sea el londinense más famoso de la historia y que sigue en pleno apogeo más de 100 años después de su creación. Una de las exposiciones más esperadas del año que nos transportará hasta el Londres victoriano de Holmes. Habrá que esperar hasta el 17 de octubre y luego se extenderá hasta abril de 2015. La entrada de adulto costará 10.90 libras.

Sherlock Holmes

Las grandes exposiciones en el 2014 en París

Estatua de Jean-Baptiste Carpeaux, Museo de Orsay © Hemis.fr

Gustave Doré y Jean-Baptiste Carpeaux en el museo de Orsay, Henri Cartier-Bresson y Marcel Duchamp en el centro Pompidou, Lucio Fontana en el Museo de arte moderno de la Ciudad de París, Bill Viola y Niki de Saint-Phalle en el Grand Palais, Monumenta 2014 con Ilya y Emilia Kabakov también en el Grand Palais, “Tatuadores, tatuados” en el museo del quai Branly… Descubra las principales exposiciones de los grandes museos parisinos en el 2014.

Gustave Doré (1832-1883). El imaginario al poder

Museo de Orsay5 de febrero al 15 de mayo de 2014

Gustave Doré es uno de los artistas más prestigiosos del siglo XIX. Como ilustrador, se enfrentó a los mayores textos y autores (la Biblia, Dante, Rabelais, Perrault, Cervantes, Milton, Shakespeare, Hugo, Balzac, Poe), y desempeña un papel crucial en el imaginario contemporáneo, a la vez que ejerce una indudable influencia en el cómic; son cuántos aspectos que desea explorar esta primera retrospectiva, desde hace treinta años, organizada por el museo de Orsay.

Henri Cartier-Bresson

Centro Pompidou12 de febrero al 9 de junio de 2014

El Centro Pompidou organiza una gran retrospectiva de la obra de Henri Cartier-Bresson, figura mítica de la fotografía del siglo XX, con motivo del décimo aniversario de la fundación Henri Cartier-Bresson, relevante centro de la fotografía en París.

Bill Viola

Grand Palais3 de marzo al 28 de julio de 2014

El artista americano Bill Viola, nacido en Nueva York en 1951, es uno de los más famosos representantes actuales del vídeo arte. Se presenta por primera vez en el Grand Palais, un amplio corpus de su obra, que va de 1975 hasta la actualidad, mezclando cuadros en movimiento e instalaciones monumentales. En una búsqueda a la vez intimista y universal, el artista comunica su recorrido emocional y espiritual mediante grandes temas metafísicos – vida, muerte, transfiguración…

Lucio Fontana

Museo de arte moderno de la Ciudad de París24 de abril al 24 de agosto de 2014

Lucio Fontana (1899-1968) es, junto con Giorgio de Chirico, uno de los artistas italianos que más ha marcado el siglo XX. Escultor de formación, inventor del movimiento espacialista, es un modelo para los movimientos de vanguardia de la década de 1960, en particular por sus lienzos rajados. Esta exposición retrospectiva reúne cerca de doscientas obras presentadas de forma cronológica, por grandes ciclos pictóricos: primitivismo y abstracción de los años 1930, cerámicas, espacialismo, lienzos agujereados o rajados e instalaciones.

Monumenta 2014: Ilya y Emilia Kabakov. Cité

Grand Palais10 de mayo al 22 de junio de 2014

Creado en 2007 por el Ministerio de Cultura, el concepto Monumenta consiste en solicitar a un gran artista contemporáneo para que se instale en los 35 000 m2 de la nave del Grand Palais en París con una obra inédita, durante la vigencia de una exposición. Para Monumenta 2014, la pareja de artistas conceptuales rusos instalados en Estados Unidos, Ilya y Emilia Kabakov, jugará a través de una ciudad utópica sobre la grandeza de las formas, pero también sobre el “gigantismo de las ideas”. Emilia Kabakov es la primera mujer artista a la que se confía Monumenta.

Tatuadores, tatuados

Museo del quai Branly6 de mayo al 19 de julio de 2014

En la línea de las grandes exposiciones antropológicas presentadas en el museo del quai Branly, “Tatuadores, tatuados” pone en perspectiva la dimensión artística y moderna del tatuaje mediante su historia planetaria y milenaria. La exposición, que recorre las fuentes del tatuaje y presenta la renovación de este fenómeno permanente y mundializado, desea rendir homenaje a los pioneros de la era moderna, estos “héroes” que han hecho cambiar este arte, pero cuyo papel nunca ha sido oficialmente reconocido.

Jean-Baptiste Carpeaux

Museo de Orsay24 de junio al 30 de septiembre de 2014

Debido a la brevedad y el fulgor de su carrera, concentrada en unos quince años, por la violencia y la pasión de un labor sin tregua, respecto a temas de su elección o encargos (el pavillon de Flore del Louvre, La Danza para la ópera de Charles Garnier), el escultor Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) es una de las más perfectas encarnaciones de la idea romántica del artista maldito. Primera retrospectiva desde 1975, dedicada a Carpeaux, esta exposición se propone explorar la obra contrastada de una figura de mayor relevancia de la escultura francesa de la segunda mitad del siglo XIX, que según Alexandre Dumas, hacía algo “más vivo que la vida”.

Marcel Duchamp. La Pintura

Centro Pompidou24 de septiembre de 2014 al 5 de enero de 2015

Mediante un centenar de obras, el Centro Pompidou dedica una exposición excepcional a la obra pictórica de Marcel Duchamp, de 1910 a 1923. Enfoque inédito, voluntariamente paradójico, la exposición muestra los cuadros de aquel que, según la doxa, habría “matado la pintura”. Marcel Duchamp, “anartista” iconoclasta a partir de la década de 1920, ha reunido sin embargo concienzudamente sus pinturas anteriores entre las manos de un pequeño círculo de coleccionistas y las ha replicado en su Boîte-en-valise (“Caja maleta”). Poco conocidas en Europa, estas pinturas, conservadas en mayoría en el museo de Filadelfia, estarán excepcionalmente reunidas.

Niki de Saint Phalle

Grand Palais8 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015

El Grand Palais organiza una gran retrospectiva de la obra de Niki de Saint Phalle (1930-2002), pintora y escultora, casada con el artista Jean Tinguely con el que realizó la Fuente Stravinsky delante del Centro Pompidou, en París (1983). Niki de Saint Phalle entró en la escena del arte en 1961 con sus Tiros, destinados a “hacer sangrar la pintura”, y fue la autora de famosas esculturas de formas generosas las Nanas y de esculturas monumentales, reunidas en el Jardín del Tarot en Toscana. Esta retrospectiva brinda la oportunidad de retroceder sobre el recorrido de una de las artistas menos convencionales de su tiempo.

Jeff Koons

Centro Pompidou26 de noviembre de 2014 al 27 de abril de 2015

En colaboración con el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Centro Pompidou organiza la primera retrospectiva importante dedicada, en Europa, a la obra de Jeff Koons. Explorando desde hace treinta y cinco años nuevos enfoques del “ready made” y de la apropiación, jugando al linde entre cultura de las élites y cultura de masa, transformando la relación de los artistas con el culto de la celebridad y las reglas del mercado, Jeff Koons es uno de los artistas contemporáneos más conocidos, pero también de los más controvertidos. La exposición presenta en preestreno nuevas creaciones del artista, así como sus obras más conocidas: Rabbit (1996), Michael Jackson and Bubbles (1988), Balloon Dog (1994-2000) y la serie de acuarios Equilibrium (1985).

Gauguin Exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York

En Gauguin casi nada es lo que parece. Una leyenda desfigura su persona y su arte, pero él fue el primero que alimentó esa leyenda. Decía que su propensión hacia lo primitivo y lo que llamaba sin reparo lo salvaje le venían de su origen inca, pero en realidad era sobrino nieto del último virrey español en el Perú colonial. Atravesó más de medio mundo en busca del paraíso terrenal de Tahití, pero su fascinación por la isla y por Oceanía la descubrió visitando la gran exposición colonial de París en 1889, en la que los nativos de diversos dominios eran presentados casi como animales exóticos en un zoo, en el interior de chozas y vestidos con sus ropas tribales, ocupados en danzas y en tareas domésticas siempre pintorescas. Había empezado a pintar justo en el momento en el que los impresionistas celebraban la inmediatez de las percepciones, la vida contemporánea, los paisajes próximos de la ciudad o del campo francés; pero él había preferido muy pronto representar lo escondido y no lo visible, los sueños y las leyendas que forman la raíz de la psique humana y no las impresiones accidentales y fugaces. Monet pintaba estaciones y puentes de ferrocarril, atmósferas contaminadas y afantasmadas por los humos industriales; Seurat o Degas o Toulouse-Lautrec se sumergían en los espectáculos nocturnos de París y en los cafés alumbrados por las luces de gas, en una especie de metódica ebriedad del presente. Gauguin buscaba la perduración del mundo arcaico en las provincias, y las mujeres francesas que le gustaba pintar no vestían a la última moda, sino con los pesados ropones y las cofias medievales de las aldeas de Bretaña.

Iba descartando arcadias sucesivas a la misma velocidad que las descubría: la Martinica, la Bretaña brumosa, la Provenza en la que su pobre amigo trastornado Vincent van Gogh quiso fundar con él una comunidad de artistas que trabajarían con una integridad de socialismo primitivo y pintarían jubilosamente al aire libre y al sol. Pero cuando finalmente lo abandonó todo y emprendió la travesía a Tahití —había abandonado previamente a su mujer y a sus hijos— no lo hizo con las manos vacías: llevaba consigo un gran baúl lleno de libros, de láminas y postales de arte, un catálogo visual de la cultura europea que dejaba atrás, y con la que no rompió por mucho que fingiera que abjuraba de ella igual que del orden burgués y de las ortodoxias del catolicismo. El baúl de Paul Gauguin era quizás el primer catálogo universal de las artes, y él es el primer artista que se alimenta indiscriminadamente de ellas, con una ambición que va más allá del orientalismo de los románticos. La fotografía y los avances en la impresión hacían accesibles por primera vez las imágenes de cualquier obra de arte, de cualquier paisaje o cualquier edificio. Gauguin aprovechó esa innovación tecnológica con la misma desenvoltura con que se aplicaba él mismo a la artesanía obsoleta del grabado en madera. Gracias a las postales y a las reproducciones podía trabajar teniendo delante de sí un bajorrelieve egipcio o un friso de jinetes del Partenón o de esculturas de dioses hindúes o una estela budista o una momia indígena de Perú. Gracias a las formas en apariencia toscas o crudas de la xilografía podía haber grabados que poseían una fuerza primitiva de claridades y sombras, que invocaban los mundos de la mitología, del sueño, de las divinidades esculpidas en troncos o en grandes bloques de piedra.

Hasta ahora yo creía, no sin suficiencia, que conocía aceptablemente a Gauguin. No hay mayor equivocación con respecto a un artista grande que darlo por supuesto. La exposición de Gauguin que hay ahora mismo en el MoMA, Metamorphoses, lo deja a uno tan impresionado que cuando sale de ella le cuesta adaptarse de nuevo a la realidad. Uno nota, desconcertado, agradecido, que sus ideas sobre Gauguin a partir de ahora no serán las mismas, y eso es sin duda lo mejor que puede decirse de una exposición: no que le permite a uno confirmar, reverencialmente, las opiniones que ya tenía, sino que se las desbarata, forzándole a ver a un artista bajo una luz nueva y reveladora, alentándolo a descubrirlo de nuevo, a ver en él lo nunca visto.

Yo nunca había visto en qué medida Gauguin no es solo ni principalmente un pintor, y menos todavía la fluidez de las conexiones entre su pintura y las otras artes a las que se dedicaba con el mismo empeño: el dibujo, el grabado en madera, la escultura, los monotipos de acuarela, la ilustración, la escritura, o esa técnica inventada por él que está entre el grabado, la pintura y el dibujo, la transferencia de óleo. Gauguin exploraba técnicas nuevas igual que buscaba nuevos escenarios o nuevas aventuras amorosas, y lo que descubría o le gustaba mucho en un medio lo trasladaba a otro, logrando simultaneidades inusitadas, resonancias y continuidades visuales que dan una unidad profunda a todo su trabajo. La plancha de un grabado puede ser también un bajorrelieve. La imagen de una mujer de Samoa que se inclina para beber agua en un arroyo de un bosque, con el torso desnudo, con un lienzo blanco atado a la cintura, aparece una y otra vez en los medios más variados, sin repetirse exactamente nunca: en un cuadro al óleo, en grabados, en una talla en madera, tan plana que de repente esa figura con su piel morena y su falda angulosa parece una silueta esculpida y policromada en un muro de un palacio egipcio. Pero a esa mujer del arroyo Gauguin no la había visto nunca en persona: estaba en una postal que le había llamado la atención en París antes de emprender su viaje.

Gauguin exploraba técnicas nuevas igual que buscaba nuevos escenarios o nuevas aventuras amorosas

Retirado en Tahití o en las Marquesas, Gauguin mantenía vínculos estrechos con París, porque quería ser o decía ser un salvaje, pero le importaba mucho, naturalmente, su carrera de pintor y su posición en el mundo del arte. Los paraísos de erotismo sin culpa y naturaleza intocada que le gusta pintar desmienten el puritanismo punitivo de la religión católica, pero al mismo tiempo se parecen mucho al paraíso bíblico de Adán y Eva, aunque esta Eva sea una muchacha tahitiana de sólida desnudez a la que le murmura al oído no una serpiente sino un lagarto, porque no hay serpientes en Tahití. Las grandes secuencias narrativas en formatos alargados y estrechos representan mitologías polinesias en gran parte inventadas por el propio Gauguin, y se parecen a los frescos del Quattrocento en Florencia y a los frisos de los templos budistas de Java. Unos jóvenes nativos corren a caballo entre los verdes y los rojos de la vegetación tropical, pero esas figuras de jinetes y los cuellos arqueados de los caballos vienen del Partenón y de las ánforas griegas.

Casi toda la imaginería religiosa o pagana y las artes y los oficios están en la obra febril de los últimos años de Gauguin. También está una parte del porvenir que él ya no vio, porque murió en 1903: la sugestión de primitivismo y el espacio quebrado y anguloso de Les demoiselles d’Avignon tienen una deuda con Gauguin tan visible que no sé cómo no había caído hasta ahora en ella.

Gauguin: Metamorphoses. Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos). Hasta el 8 de junio.

 

 

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